Nadia Nadege, artist and writer

03/16/2026

Autoportraits en transformation

Dans cette série d’autoportraits, l’image de soi n’est jamais fixe. Le visage apparaît comme un territoire d’exploration où les formes se transforment au gré des médiums : encre, peinture, gravure, textile ou collage. Chaque technique agit comme une manière différente d’interroger l’identité, révélant tour à tour ses lignes essentielles, ses fragments, ses couches de mémoire.

Le visage devient ainsi un espace d’expérimentation. Parfois réduit à quelques traits rapides, parfois reconstruit par la matière ou la superposition de textures, il oscille entre apparition et effacement. Les contrastes marqués, les divisions du visage ou les déformations du regard suggèrent que l’identité ne se donne jamais d’un seul bloc : elle se compose de multiples états, souvent contradictoires.

Dans certaines œuvres, l’image se rapproche du masque ou de la figure symbolique. Le travail de la gravure et du textile introduit une dimension presque rituelle : le visage est découpé, imprimé, cousu, recomposé. Ce processus de transformation rappelle que l’identité est aussi un tissu de récits, de traces et de gestes accumulés.

Ces autoportraits ne cherchent pas à représenter fidèlement un visage. Ils constituent plutôt une forme d’enquête visuelle sur la construction du soi. Chaque image propose une variation, une hypothèse, un état possible de l’être. Ensemble, ils forment une constellation de figures où l’intime rencontre le symbolique.

Dans ma démarche artistique, l’autoportrait devient un outil de recherche. Il me permet d’explorer les tensions entre le corps, la mémoire et les imaginaires qui nous traversent. En multipliant les techniques et les transformations du visage, je cherche à rendre visible cette idée simple mais essentielle : l’identité n’est pas une forme stable, mais un processus vivant, toujours en train de se recomposer.

03/13/2026

Figures de seuil

Dans cette série, la figure humaine apparaît comme un lieu de transformation et de tension. Les visages ne sont pas représentés comme des identités stables, mais comme des surfaces en mutation, traversées par la matière picturale. Les formes semblent émerger de la peinture elle-même : empâtements, strates et coulures participent à la construction d’un visage qui oscille entre apparition et effacement.

La division récurrente des figures — souvent marquée par une ligne verticale ou par un contraste radical de lumière et d’ombre — évoque une dualité intérieure. Chaque visage semble habité par plusieurs états simultanés : présence et disparition, humanité et altérité, conscience et matière brute. Cette fragmentation ne détruit pas l’identité ; elle révèle plutôt la complexité de l’être.

La matière joue ici un rôle central. Épaisse, presque sculpturale, elle donne au visage une dimension organique, parfois minérale. Les surfaces semblent fissurées, brûlées ou recomposées, comme si la figure avait traversé une forme d’épreuve. Dans certaines zones, la peinture se densifie jusqu’à devenir presque une croûte, rappelant que l’image n’est pas seulement une représentation mais un corps.

Ces visages ne cherchent pas la ressemblance. Ils se situent plutôt dans un espace symbolique où la figure humaine devient archétype. Certaines formes évoquent la figure du masque ou du golem — une présence façonnée dans la matière, à la frontière entre le vivant et l’inanimé. Le regard, parfois absent ou enfoui, renforce cette impression d’intériorité opaque.

Dans ma démarche artistique, la figure humaine constitue un territoire d’exploration psychique. En travaillant la défiguration, la superposition et la matérialité de la peinture, je cherche à rendre visibles des états intérieurs souvent invisibles : tensions, fractures, transformations. Le visage devient alors un seuil, un espace où l’expérience humaine se révèle dans sa dimension la plus fragile et la plus archaïque.

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03/11/2026

Fragments du quotidien

Cette double page de carnet révèle un espace de recherche où l’image, l’écriture et la trace coexistent librement. Les figures dessinées au stylo bleu apparaissent comme des silhouettes captées dans l’instant — corps en mouvement, attitudes esquissées, visages partiellement effacés. Elles semblent surgir d’une observation rapide, presque instinctive, comme si le geste cherchait à saisir une présence avant qu’elle ne disparaisse.

Les personnages, légèrement déformés ou fragmentés, évoquent moins des portraits individuels que des types humains : passants, figures anonymes, corps pris dans la banalité du quotidien. Le trait répété, parfois hésitant, parfois affirmé, rend visible le processus même du regard. Dessiner devient ici une manière de penser, de comprendre la posture, l’équilibre, la relation entre les corps et l’espace.

À côté de ces silhouettes, les empreintes végétales introduisent une autre forme de trace. Elles fonctionnent comme une respiration visuelle, un contrepoint organique à la présence humaine. Là où le dessin procède par lignes et construction, l’empreinte se déploie par diffusion et texture, rappelant que toute image naît aussi d’un contact direct avec la matière.

L’écriture disséminée dans la page agit comme un fil narratif fragmentaire. Mots isolés, phrases brèves ou notations presque automatiques composent un paysage mental où les images et les idées se croisent. Dans ce carnet, rien n’est hiérarchisé : texte, dessin et empreinte participent d’un même mouvement d’exploration.

Dans ma démarche artistique, le carnet constitue souvent un laboratoire. C’est un lieu où les formes se cherchent, où les observations du réel rencontrent l’imaginaire, et où les fragments du quotidien peuvent se transformer en signes. Ces pages témoignent de ce moment fragile où l’image n’est pas encore une œuvre achevée, mais déjà un territoire de pensée et de création.

03/09/2026

Le territoire traversé qu'est le visage

Dans cette œuvre, le visage apparaît comme un territoire de tension et de passage. Divisé en deux zones chromatiques — l’une claire, presque diaphane, l’autre dense et obscure — il évoque la coexistence de forces opposées qui habitent l’identité humaine. La ligne verticale qui traverse le visage agit comme une frontière fragile, suggérant à la fois séparation et jonction entre différentes strates du moi.

La matière picturale, travaillée par couches, effacements et frottements, laisse apparaître des traces de gestes et de pensées. Le visage semble émerger d’un processus de révélation progressive, comme si l’image se construisait en dialogue avec l’invisible. Les yeux clos ou effacés renforcent cette impression d’intériorité : ce n’est pas un portrait psychologique au sens classique, mais plutôt une cartographie sensible de l’expérience intérieure.

Les fragments d’écriture qui apparaissent en marge de la composition introduisent une dimension narrative et mémorielle. Ils fonctionnent comme des traces de langage — des restes de pensée ou de récit — qui entourent et traversent la figure. Le texte et l’image ne se répondent pas directement, mais coexistent dans un même espace de signification, comme deux formes d’exploration du réel.

Dans ma démarche artistique, j’interroge souvent la manière dont l’identité se construit à travers les couches du vécu, de la mémoire et du symbole. Ce visage peut ainsi être compris comme une figure de seuil : un espace où l’intime et l’archétypal se rencontrent, où l’être humain apparaît dans sa complexité, traversé par ses ombres et ses zones de lumière.

03/07/2026

Figures en quête d'elles-mêmes

Dans cette série de collages, la figure humaine devient un territoire de transformation. Les corps semblent suspendus dans un moment d’instabilité : ni tout à fait humains, ni totalement autres. Têtes animales, visages effacés, excroissances végétales ou regards démultipliés transforment les personnages en êtres hybrides, comme si l’identité se recomposait sous nos yeux.

Le collage agit ici comme un dispositif de dislocation et de recomposition. En assemblant des fragments hétérogènes, l’image révèle la multiplicité qui habite chaque individu. Les corps se plient, se replient, se fragmentent, évoquant à la fois la vulnérabilité et la capacité de mutation. Ces figures semblent porter les traces d’un récit intérieur — parfois étrange, parfois fragile — où se mêlent mémoire, instinct et imaginaire.

Dans ma démarche artistique, j’explore souvent les zones de passage entre le visible et l’invisible, entre l’intime et le symbolique. Ces collages participent de cette recherche : ils donnent forme à des états psychiques ou émotionnels qui échappent au langage direct. Les hybridations animales ou végétales ne sont pas seulement des motifs surréalistes ; elles évoquent des archétypes, des forces archaïques qui traversent le corps et l’esprit.

Ainsi, chaque figure peut être lue comme un portrait intérieur : un être en devenir, traversé par ses métamorphoses. Le collage devient alors un espace de révélation où les identités ne sont jamais fixes, mais constamment en train de se tisser et de se transformer.

12/06/2025

Exposition Open House Université Bishops : Voyager entre les mondes. 4 œuvres en 2 dyptiques : sculpture textile sur socle et 3 portraits assemblés en suspension, toile de dessins à l’aveugle et prototype de patron textile sur cintre.

Ici : la sculpture textile.
Restauration de l’âme, pouvoir de reconstruction du geste créatif, retrouver sa souveraineté avec une sculpture multimédia : textiles variés par tissages de végétaux et de laines, broderie, couture, cyanotype, teinture végétale sur tulle et assemblages signifiants dans une chronologie d’autobiographie du parcours artistique.

12/06/2025

"Voyage entre les mondes" avec 4 œuvres en deux dyptiques, un au rez-de-chaussée et l'autre au premier étage.

Visite de l'exposition des étudiants samedi de 12 à 17h et dimanche de 12 à 16h. MOLSON FINE ARTS BUILDING Pour l'itinéraire clique sur le lien https://urls.fr/i7Uc74

11/27/2025

PORTES OUVERTES DES BEAUX ARTS de l'Université BISHOPS de Sherbrooke (Lennoxville) exposant les travaux de plus de 150 étudiants en arts.

- Vendredi 5 décembre de 16 à 19h
- Samedi et dimanche 6 et 7 décembre de 12 à 17h

J'y serai, avec quelques oeuvres, parmi mes collègues d'études qui ont produit elles aussi des créations hors de l'ordinaire. Venez nous rencontrer !

11/05/2025

VOYAGER ENTRE LES MONDES... une œuvre sur laquelle je travaille depuis septembre 2025. Une sculpture interdisciplinaire où tissage, broderie, cyanotype, peinture et dessin vont s'entrecroiser pour former la trame narrative d'une reconstruction après une période personnelle éprouvante.
Ici le tissage de 40 pouces de large environ que je viens de terminer et de démonter du métier.

10/18/2025

Être enseignante en arts, c’est bien plus que transmettre une technique…
C’est offrir un espace où chaque élève peut se rencontrer, se découvrir et se révéler. C’est voir les yeux s’éclairer devant un geste juste, un trait tracé avec assurance, une couleur qui exprime ce que les mots ne peuvent dire. C’est accompagner la naissance d’idées qui prennent forme, la confiance qui grandit, la sensibilité qui s’affirme.
Chaque cours est un voyage unique, où l’imagination devient matière, où l’erreur se transforme en exploration et où la créativité devient un langage universel.
Être enseignante en arts, c’est croire en la magie de la transformation — celle qui se produit lorsque quelqu’un ose créer, se tromper, recommencer, et surtout… s’émerveiller de ce qu’il est capable de faire.
Et parfois, c’est un simple sourire, un regard fier ou un murmure enthousiaste qui rappelle pourquoi ce métier est un cadeau quotidien : celui de nourrir les âmes et d’éveiller la beauté qui dort en chacun de nous.
Merci à tous mes élèves et étudiants, passés et présents, qui me rappellent chaque jour que l’art est un pont entre nos cœurs.

10/18/2025

09/10/2025