https://www.facebook.com/122297614592398/

La Medicina nell'Arte, P. O. BOX 599, Ukunda (2025)

27/11/2025

Jan il Vecchio
I sensi del tatto, dell'udito e del gusto
#1618
Museo Nacional del Prado , Madrid, Spagna

Oggi negli USA è il giorno del Ringraziamento!

Questa festa, che si celebra anche in Canada a ottobre, è incentrata sul rendere grazie per il raccolto e per le benedizioni dell’anno passato. Si festeggia tradizionalmente con un lauto pranzo festivo, che spesso include il tacchino, condiviso con famiglia e amici. Con il gioviale dipinto di oggi vogliamo augurare gioia, calore e comunanza a tutti coloro che lo festeggiano!
Al centro della composizione, i commensali simboleggiano i sensi. La musica e i bambini che cantano rappresentano l’udito, mentre la giovane donna che accarezza un visone evoca il tatto. Un’altra donna, in procinto di mangiare ostriche, simboleggia il gusto, e la scimmietta che tira i capelli a Cupido è anch’essa un riferimento al tatto.
Gli animali e i dipinti che si trovano nella stanza sono ugualmente significativi. L’Annunciazione che si trova sopra il clavicordo e la Visita di Minerva alle Muse sul Parnaso alludono all’udito; Il dentista al tatto, e La punizione del ricco epulone, assieme alle Nozze di Cana, al gusto.

Jan Brueghel the Elder
The Senses of Touch, Hearing, and Taste
#1618
Prado National Museum, Madrid, Spain

Today is Thanksgiving Day in the USA!

This holiday, also celebrated in Canada in October, is centered on giving thanks for the harvest and the blessings of the past year. It is traditionally celebrated with a lavish festive meal, often including turkey, shared with family and friends. With today's cheerful painting, we wish everyone who celebrates it joy, warmth, and togetherness!
At the center of the composition, the diners symbolize the senses. The music and singing children represent hearing, while the young woman stroking a mink evokes touch. Another woman, about to eat oysters, symbolizes taste, and the little monkey pulling Cupid's hair also refers to touch.
The animals and paintings in the room are equally significant. The Annunciation above the clavichord and the Visit of Minerva to the Muses on Parnassus allude to hearing; The Dentist to touch, and The Punishment of the Rich Man, together with the Wedding at Cana, to taste.

26/11/2025

Barbara Regina
Tulipano con farfalla e maggiolino
prima del #1783
Hamburger Kunsthalle , Amburgo, Germania

Barbara Regina Dietzsch (1706-1783) fu una pittrice di grande maestria, specializzata in soggetti botanici, che visse e lavorò nella Norimberga del ’700. Istruita da suo padre, Johann Israel Dietzsch, sia lei che i suoi sei fratelli divennero tutti artisti, molti specializzati in acquerelli a tema storia naturale. La famiglia Dietzsch ebbe un ruolo importante nel fiorente settore della produzione di immagini scientifiche di Norimberga, legato a doppio filo al collezionismo dei naturalia e all’università della città. Tra tutti i membri della famiglia, spiccava Barbara Regina: alcuni contemporanei, come il medico e collezionista Christoph Jacob Trew, la consideravano una delle più raffinate acquarelliste dell’epoca.
Questo disegno mostra il suo fantastico stile: precisione tecnica abbinata a composizione vivace. L’applicazione di gomma arabica per la finitura effetto lucido e i delicati strati di guazzo, applicati con pennellate leggere come piume, catturano la consistenza cerosa e la colorazione vibrante del fiore. Gli insetti accentuano il senso di animazione e sono raffigurati con tale dettaglio che se ne riconoscono le specie.
Posto contro un ricco sfondo nero – marchio di fabbrica delle opere di Dietzsch – il tulipano e i suoi compagni brillano nei loro colori accentuati dallo scenografico effetto di luce. Eseguito su pergamena e bordato su tre lati da quello che sembrerebbe essere oro, il disegno apparteneva in principio a un album progettato per combinare descrizione scientifica e delizia estetica.

Barbara Regina Dietzsch
Tulip with Butterfly and Maybug
before 1783
Hamburger Kunsthalle, Hamburg, Germany

Barbara Regina Dietzsch (1706–1783) was a highly accomplished painter, specializing in botanical subjects, who lived and worked in 18th-century Nuremberg. Trained by her father, Johann Israel Dietzsch, she and her six siblings all became artists, many specializing in natural history watercolors. The Dietzsch family played a key role in Nuremberg's thriving scientific imagery industry, closely linked to the natural history collection and the city's university. Among all the family members, Barbara Regina stood out: some contemporaries, such as the physician and collector Christoph Jacob Trew, considered her one of the finest watercolorists of the time.
This drawing demonstrates her remarkable style: technical precision combined with lively composition. The application of gum arabic for the gloss finish and the delicate layers of gouache, applied with feather-light brushstrokes, capture the flower's waxy texture and vibrant color. The insects heighten the sense of animation and are depicted in such detail that their species are easily recognized.
Set against a rich black background—a trademark of Dietzsch's work—the tulip and its companions shimmer in color, accentuated by the dramatic effect of light. Executed on parchment and bordered on three sides with what appears to be gold, the drawing originally belonged to an album designed to combine scientific description and aesthetic delight.

25/11/2025

Michelangelo detto il
Amorino dormiente
#1608
Palatina, Firenze

Penso che questo dipinto sia assolutamente magnifico. Questo piccolo quadro stranamente tetro è l' unico cimelio del tempo passato a Malta da Caravaggio, come si legge su una vecchia iscrizione sul retro della tela. Dato che il dipinto si trovava a Firenze nel 1618, Caravaggio potrebbe averlo portato con sé quando fuggì.
La paffuta e solida figura è ben articolata dall' artista che imparò a Roma tutto quello che gli serviva sapere sull' anatomia umana dall' antichità e dal Rinascimento,e ,tuttavia, è visto in modo affettuoso, come se fosse un comune bambino mortale addormentato. Nell' oscurità è possibile scorgere le sue ali, anche se non è un piccolo putto, e la faretra di frecce sulla quale si è addormentato, l' arco con la corda spezzata e la freccia con una punta di rosso, che tiene nella sua mano. Nelle vicende umane, egli ha un ruolo simbolico. Qui Cupido non è al comando del destino, mentre Amore dimenticato dorme, gli amanti non riescono a resistere agli eclatanti bisogni delle loro passioni, e in ciò si perdono. Ma anche se Amore è stato sconfitto in passato, infatti, la corda del suo arco è rotta, ha altre cartucce, la faretre e le frecce con cui può combattere ancora.

Michelangelo Merisi, known as Caravaggio
Sleeping Cupid
#1608
Gallery, Florence

I think this painting is absolutely magnificent. This strangely somber little painting is the only relic from Caravaggio's time in Malta, as stated in an old inscription on the back of the canvas. Since the painting was in Florence in 1618, Caravaggio may have taken it with him when he fled.
The plump, solid figure is beautifully articulated by the artist, who learned everything he needed to know about human anatomy from antiquity and the Renaissance in Rome, yet it is portrayed affectionately, as if he were an ordinary mortal child asleep. In the darkness, you can make out his wings, even though he is no small cherub, and the quiver of arrows he has fallen asleep on, the bow with the broken string and the red-tipped arrow he holds in his hand. In human affairs, he plays a symbolic role. Here, Cupid is not in control of fate; while Love, forgotten, sleeps, the lovers are unable to resist the resounding urges of their passions, and in this they lose themselves. But even though Love has been defeated in the past, his bowstring is broken; he has other ammunition, his quiver and arrows with which he can fight again.

24/11/2025

María
Natura morta cubista
#1917
Collezione Privata

María Blanchard fu una pittrice sp****la conosciuta per aver sviluppato una versione unica di Cubismo.
Fin dalla nascita, Blanchard soffrì di molte deformità fisiche, come la cifoscoliosi e la disarticolazione bilaterale dell’anca. La sua crescita rimase bloccata, ed era claudicante, cosa che la rese bersaglio di prese in giro a scuola, dove i compagni di classe le affibbiarono il crudele soprannome di “strega”. Le ferite emotive di queste esperienze riemersero poi nei temi dei suoi dipinti. La pittura divenne la sua consolazione nella tristezza; suo padre, che incoraggiava caldamente i suoi progetti artistici, rimase un’influenza importante durante i primi anni.
Dal 1918 in poi, Blanchard si stabilì definitivamente a Parigi. Immersa nel circolo cubista, divenne molto intima di Juan Gris, la cui amicizia e influenza artistica furono fondamentali nella sua carriera. Si unì alla Section d’Or, un gruppo di artisti cubisti, e sviluppò un proprio approccio a questo stile. Le sue prime opere mostrano forme intersecate e appiattite, mentre i successivi dipinti divennero più figurativi, emotivamente carichi e contraddistinti da colori audaci e spesso in contrasto. Le sue tele evocavano sia intensità che malinconia, caratteristiche che le rendevano potentemente espressive.La sua fama crebbe velocemente dopo aver esposto in Francia e in Belgio nel 1920. Sebbene fosse in contatto con importanti mercanti d’arte, la crisi economica degli anni ’20 provocò un calo delle vendite. Durante questo periodo fece affidamento, economicamente, sul suo caro amico Frank Flausch, fino alla morte di lui avvenuta nel 1926. In seguito continuò a vendere le sue opere nelle gallerie parigine e a collezionisti privati, sebbene con difficoltà.
La morte di Juan Gris nel 1927 devastò Blanchard, e la fece cadere in depressione. Sua sorella Carmen e i suoi nipoti si trasferirono a vivere con lei a Parigi, alleviando la sua solitudine ma peggiorando ulteriormente le sue finanze. Man mano che la sua salute peggiorava, diventava più devota, e prese anche in considerazione l’idea di entrare in un convento, anche se poi non diede mai seguito a questo proposito; nonostante la malattia, continuò a dipingere per mantenere la famiglia.
La salute di Blanchard peggiorò ulteriormente all’inizio degli anni ’30, quando si ammalò di tubercolosi, che infine le rese impossibile lavorare. Morì a Parigi il 5 aprile 1932, all’età di 51 anni.

María Blanchard
Cubist Still Life
#1917
Private Collection

María Blanchard was a Spanish painter known for developing a unique version of Cubism.
From birth, Blanchard suffered from numerous physical deformities, such as kyphoscoliosis and bilateral hip disarticulation. Her growth was stunted, and she limped, making her the target of teasing at school, where classmates cruelly nicknamed her "the witch." The emotional scars of these experiences later resurfaced in the themes of her paintings. Painting became her consolation in sadness; her father, who warmly encouraged her artistic projects, remained an important influence during her early years.
From 1918 onward, Blanchard settled permanently in Paris. Immersed in the Cubist circle, she became very close to Juan Gris, whose friendship and artistic influence were crucial to her career. She joined the Section d'Or, a group of Cubist artists, and developed her own approach to the style. Her early works feature intersecting, flattened forms, while her later paintings became more figurative, emotionally charged, and characterized by bold, often contrasting colors. Her canvases evoked both intensity and melancholy, characteristics that made them powerfully expressive. Her fame grew rapidly after exhibiting in France and Belgium in 1920. Although she was in contact with important art dealers, the economic crisis of the 1920s caused a decline in sales. During this period, she relied financially on her close friend Frank Flausch until his death in 1926. Afterward, she continued to sell her works in Parisian galleries and to private collectors, albeit with difficulty.
The death of Juan Gris in 1927 devastated Blanchard, and she fell into depression. Her sister Carmen and her nieces and nephews moved to live with her in Paris, alleviating her loneliness but further worsening her finances. As her health deteriorated, she became more devout and even considered entering a convent, though she never followed through; despite her illness, she continued to paint to support her family.
Blanchar's health deteriorated further in the early 1930s, when she contracted tuberculosis, which ultimately made it impossible for her to work. She died in Paris on April 5, 1932, at the age of 51.

23/11/2025

Paul
Capo di Noli, vicino a Genoa
#1898
-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia, Germania

Noli, una piccola città sulla Riviera italiana vicino a Genova, fu raggiunta da Paul Signac a piedi da Saint-Tropez nell'estate del 1896. Due anni dopo, dipinse la sua luminosa veduta del promontorio e del suo porto, ricordando in seguito che voleva spingere “ogni angolo della tela all'estremo assoluto in termini di colore”.Basandosi sull'Impressionismo e ispirandosi al suo amico Georges Seurat, Signac perfezionò la pittura trasformandola in un rigoroso sistema di punti complementari. Seurat aveva chiamato questo metodo Divisionismo, ma divenne più noto come Puntinismo.
In Capo di Noli, Signac orchestra colori e linee con precisione calcolata, pianificando attentamente l'effetto in studio prima di applicarlo alla tela. Le scogliere e il mare fungono meno da testimonianza naturale che da palcoscenico per il colore puro. Questo uso audace e non naturale della pittura ha lasciato un segno indelebile nell'arte moderna, influenzando profondamente i fauves in Francia e gli espressionisti in Germania.

Paul
Cape of Noli, near Genoa
#1898
-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Cologne, Germany

Noli, a small town on the Italian Riviera near Genoa, was reached by Paul Signac on foot from Saint-Tropez in the summer of 1896. Two years later, he painted his luminous view of the promontory and its harbor, later recalling that he wanted to push "every corner of the canvas to the absolute extreme in terms of color." Drawing on Impressionism and inspired by his friend Georges Seurat, Signac refined his painting technique, transforming it into a rigorous system of complementary dots. Seurat had called this method Divisionism, but it became better known as Pointillism.
In Cape of Noli, Signac orchestrates colors and lines with calculated precision, carefully planning the effect in the studio before applying it to the canvas. The cliffs and sea serve less as a natural testimony than as a stage for pure color. This bold and unnatural use of paint left an indelible mark on modern art, profoundly influencing the Fauves in France and the Expressionists in Germany.

22/11/2025

Henri
Lo studio rosso
#1911
MoMA The Museum of Modern Art , N. Y., U. S. A.

Più guardo i dipinti di Matisse, più capisco perché sia considerato uno dei pittori più rivoluzionari del XX secolo.
Questo dipinto è stato realizzato nel 1911! “Da dove ho preso il colore rosso, non lo so davvero”, ha ammesso una volta Matisse. “Le cose diventano ciò che sono per me solo quando le vedo con il rosso”.
In questo dipinto, il suo studio diventa un palcoscenico: le opere recenti di pittura, scultura e ceramica sono rappresentate con dettagli vivaci, mentre le pareti e gli arredi si dissolvono in un campo di rosso puro. Al centro si trova un orologio a pendolo senza lancette, a suggerire che all'interno del santuario dell'artista il tempo stesso è sospeso. Quelle che sembrano linee disegnate sono in realtà sottili strisce di fondo giallo pallido, lasciate visibili quando ha ricoperto la tela con un sottile strato di rosso ruggine. Questi sottili vuoti scolpiscono gli oggetti, stabiliscono la prospettiva e definiscono la stanza stessa.
Questo approccio radicale ha influenzato profondamente le generazioni successive di artisti moderni ed è spesso considerato un precursore diretto della pittura a campiture, esemplificata da figure come Mark Rothko e Kenneth Noland. Frank Stella, ad esempio, ha adottato un metodo simile, lasciando la tela grezza esposta come “linee” strutturali. Sovrapponendo i colori invece di affidarsi a contorni formali, Matisse ha gettato le basi per un movimento che ha trovato profondità e spazio all'interno di campi di colore puri.

Henri
The Red Studio
#1911
MoMA The Museum of Modern Art, New York, U.S.A.

The more I look at Matisse's paintings, the more I understand why he is considered one of the most revolutionary painters of the 20th century.
This painting was created in 1911! “Where I got the color red, I really don't know,” Matisse once admitted. “Things become what they are for me only when I see them in red.”
In this painting, his studio becomes a stage: recent works of painting, sculpture, and ceramics are depicted in vivid detail, while the walls and furnishings dissolve into a field of pure red. At the center is a grandfather clock without hands, suggesting that within the artist's sanctuary, time itself is suspended. What appear to be drawn lines are actually thin strips of pale yellow ground, left visible when he coated the canvas with a thin layer of rust red. These subtle voids sculpt objects, establish perspective, and define the room itself.
This radical approach profoundly influenced subsequent generations of modern artists and is often considered a direct precursor to field painting, exemplified by figures such as Mark Rothko and Kenneth Noland. Frank Stella, for example, adopted a similar method, leaving the raw canvas exposed as structural "lines." By layering colors rather than relying on formal contours, Matisse laid the foundation for a movement that found depth and space within pure fields of color.

21/11/2025

Paul
Il Torso ed i suoi con la luna piena
#1939
Paul Klee, Berna, Svizzera

Paul Klee produsse almeno due opere preparatorie per questo acquerello su iuta. Un disegno a matita e un acquerello su carta presentano lo stesso identico motivo, ma invertito: Klee ha probabilmente trasferito il motivo sul nuovo supporto, la iuta, utilizzando una tecnica di copiatura, come il ricalco.
Quattro strane creature giacciono sotto il disco della luna piena. La figura leggermente più grande, direttamente sotto il cerchio, ci dà le spalle. Ci ricorda i nudi femminili reclinati della storia dell'arte, come La grande odalisca di Jean-Auguste-Dominique Ingres del 1814. Le altre tre figure giacciono più in basso, due di esse più vicine tra loro. Accanto a loro c'è un'altra figura dritta, che sembra un cane ululante. Le tre figure più piccole in particolare ricordano teneri cagnolini o gattini rampanti.
Il titolo ci dice che il quadro rappresenta un torso con la sua “famiglia”. Ed in effetti tutte e quattro le figure sono corpi senza gambe e braccia. Sono formati da una testa, un torso e un didietro.
L'uso della parola "torso" suggerisce che Klee non considerava complete queste creature. Forse si stanno ancora formando o sviluppando. La scelta di Klee di conferire loro una forma di protuberanze è un altro indizio che ci porta a questa conclusione. Questo organico e fluido utilizzo delle linee appare in molte opere della sua ultima produzione. Le forme curve ricordano cose che si stanno gonfiando o stanno crescendo. Un linguaggio formale simile si ritrova anche in sculture moderniste, come quelle di Jean Arp ed Henry Moore. Nel caso di Arp, un linguaggio astratto organico emerge direttamente dall'osservazione della natura. Come Klee, Henry Moore possedeva una collezione di reperti naturali che comprendeva conchiglie, ossa, pezzi di legno logorati e pietre, che ispiravano le sue forme astratte.

Paul
The Torso and His Companions with the Full Moon
#1939
Paul Klee, Bern, Switzerland

Paul Klee produced at least two preparatory works for this watercolor on jute. A pencil drawing and a watercolor on paper feature the exact same motif, but reversed: Klee likely transferred the motif to the new medium, jute, using a copying technique, such as tracing.
Four strange creatures lie beneath the disk of the full moon. The slightly larger figure, directly beneath the circle, has its back to us. It reminds us of reclining female nudes from art history, such as Jean-Auguste-Dominique Ingres's La Grande Odalisque from 1814. The other three figures lie lower down, two of them closer together. Next to them is another upright figure, resembling a howling dog. The three smaller figures in particular resemble cute little dogs or prancing kittens.
The title tells us that the painting depicts a torso with its "family." And indeed, all four figures are bodies without legs and arms. They consist of a head, a torso, and a backside.
The use of the word "torso" suggests that Klee did not consider these creatures complete. Perhaps they are still forming or developing. Klee's choice to give them a protuberant shape is another clue that leads us to this conclusion. This organic and fluid use of line appears in many of his later works. The curved forms recall things swelling or growing. A similar formal language is also found in modernist sculptures, such as those of Jean Arp and Henry Moore. In Arp's case, an organic abstract language emerges directly from the observation of nature. Like Klee, Henry Moore owned a collection of natural artifacts that included shells, bones, worn pieces of wood, and stones, which inspired his abstract forms.

20/11/2025

Egon
Città immersa nel verde (La città vecchia III)
#1917
Neue Galerie New York , USA

A partire dall'estate del 1910, Egon Schiele fece diverse visite a Krumau (oggi Český Krumlov, Repubblica Ceca), città natale di sua madre in Boemia, lungo il fiume Moldava. Attratto dai punti panoramici elevati alla periferia della città, Schiele cercava prospettive che offrissero una vista panoramica dall'alto della città e dei suoi abitanti. Sebbene la posizione precisa di quest'opera rimanga incerta, la scena rappresenta probabilmente un insieme di osservazioni reali e invenzioni fantasiose, frutto dell'attento studio di Schiele su Krumau e i suoi dintorni.
In questo dipinto, la città è immersa tra alberi rigogliosi e fitti. Insolito nelle opere di Schiele, le strade dai colori vivaci sono animate da figure impegnate nella vita quotidiana. L'architettura rinascimentale della città, con i suoi edifici intrecciati e le sue strutture storiche, lo affascinava profondamente, diventando così un soggetto ricorrente nella sua opera.

Egon Schiele
City Surrounded by Greenery (Old Town III)
#1917
Neue Galerie New York, USA

Beginning in the summer of 1910, Egon Schiele made several visits to Krumau (now Český Krumlov, Czech Republic), his mother's hometown in Bohemia, along the Vltava River. Drawn to the elevated vantage points on the outskirts of town, Schiele sought perspectives that offered a bird's-eye view of the town and its inhabitants. Although the precise location of this work remains uncertain, the scene likely represents a blend of actual observations and imaginative inventions, the fruit of Schiele's careful study of Krumau and its surroundings.
In this painting, the town is nestled among lush, dense trees. Unusually for Schiele's work, the brightly colored streets are animated by figures engaged in everyday life. The city's Renaissance architecture, with its intertwined buildings and historic structures, deeply fascinated him, becoming a recurring subject in his work.

19/11/2025

Wilhelm
Riposo
#1905
Musée d'Orsay , Parigi, Francia

Vilhelm Hammershøi, pittore danese che raggiunse la fama negli anni Ottanta del XIX secolo, è spesso considerato un discendente di Vermeer o un precursore di Hopper. Tuttavia, i suoi interni spogli e la loro aura inquietante, frutto di uno stile rigorosamente minimalista, sono una prova sufficiente della sua originalità.
Hammershøi potrebbe aver inventato il “ritratto di schiena”, allontanandosi dalle convenzionali vedute frontali o di profilo. La donna seduta qui raffigurata, che sia una serva o una borghese, assorta nel lavoro o nei suoi pensieri, rimane enigmatica proprio per la sua indifferenza nei confronti dello spettatore. Resa con sottili sfumature di grigio e marrone, incarna la sensibilità dell'artista per la tranquilla poesia degli spazi interni.
La composizione stessa è tutta angoli retti: sedia, battiscopa, credenza, ogni elemento scolpisce la tela in quadrati con severità protestante. Tuttavia, interpretare questo dipinto come pura solitudine o tragedia sarebbe troppo riduttivo. Forse il suo vero soggetto risiede nella curva del collo della donna, considerata la caratteristica più provocatoria in alcune culture orientali. Ciocche di capelli sparsi, la camicetta aperta che rivela la pelle pallida e la delicata ciotola sulla credenza resistono a un'interpretazione puritana, suggerendo invece un sottofondo di intimità e desiderio sotto il silenzio.

Wilhelm Hammershøi
Rest
#1905
Musée d'Orsay, Paris, France

Vilhelm Hammershøi, a Danish painter who rose to fame in the 1880s, is often considered a descendant of Vermeer or a precursor to Hopper. However, his spare interiors and their unsettling aura, the product of a rigorously minimalist style, are sufficient proof of his originality.
Hammershøi may have invented the "portrait from behind," departing from conventional frontal or profile views. The seated woman depicted here, whether a servant or a bourgeois, absorbed in work or thought, remains enigmatic precisely because of her indifference to the viewer. Rendered in subtle shades of gray and brown, it embodies the artist's sensitivity to the quiet poetry of interior spaces.
The composition itself is all right angles: chair, baseboard, sideboard, each element sculpts the canvas into squares with Protestant severity. However, interpreting this painting as pure solitude or tragedy would be too simplistic. Perhaps its true subject lies in the curve of the woman's neck, considered the most provocative feature in some Eastern cultures. Scattered locks of hair, the open blouse revealing pale skin, and the delicate bowl on the sideboard resist a puritanical interpretation, suggesting instead an undercurrent of intimacy and desire beneath the silence.

18/11/2025

Diego
Vecchia che frigge le uova
circa #1618
National Galleries of Scotland , Edinburgh, U. K.

Velázquez usava spesso personaggi della classe operaia nelle sue prime opere, e in molti casi i modelli erano membri della sua famiglia. La donna presente qui appare anche in Cristo nella casa di Marta e Maria. Come altre opere dell'artista, risalta il chiaroscuro, con una fonte di luce intensa dalla sinistra che illumina la donna, i suoi utensili e le uova in pentola, e lasciando lo sfondo e il ragazzo alla sua destra in ombra. Qui il chiaroscuro è molto intenso, talmente tanto che sarebbe impossibile vedere il muro in fondo al dipinto se non fosse per il cestino appeso; ma il pittore è riuscito a combinare l'oscurità torbida e i forti contrasti di luce e ombra con l'uso di sfumature sottili e di una palette dominata da ocra e marroni. La composizione è organizzata come un ovale, con le figure centrali in primo piano, così da attrarre lo spettatore.

Diego Velázquez
Old Woman Frying Eggs
circa 1618
National Galleries of Scotland, Edinburgh, U.K.

Velázquez often used working-class figures in his early works, and in many cases the models were members of his own family. The woman here also appears in Christ in the House of Martha and Mary. Like other works by the artist, chiaroscuro is prominent, with an intense light source from the left illuminating the woman, her utensils, and the eggs in the pot, leaving the background and the boy to her right in shadow. Here, the chiaroscuro is very intense, so much so that it would be impossible to see the wall at the back of the painting were it not for the hanging basket; but the painter has managed to combine the murky darkness and strong contrasts of light and shadow with the use of subtle shading and a palette dominated by ochres and browns. The composition is organized as an oval, with the central figures in the foreground, thus drawing the viewer in.

18/11/2025

Ferdinand
Lady Absinth (Arcata, Viale dei Sospiri)
#1901
Collezione Privata
fans

Ferdinand Keller fu un pittore storico e un pittore di genere tedesco. Oggi vi presentiamo un dipinto cupo... Lady Absinth (Arcata, Viale dei Sospiri) raffigura una visione allegorica della famigerata bevanda, un tempo celebrata e condannata in egual misura. L'opera personifica l'assenzio come una donna spettrale che vaga per un viale ombroso e alberato, con una presenza allo stesso tempo affascinante e inquietante. L'opera incarna il fascino fin de siècle per il misticismo, la decadenza e lo spirito bohémien, evocando la doppia natura dell'assenzio, fonte di ispirazione e simbolo di pericolo allo stesso tempo. Questo dipinto ha segnato un momento importante nella carriera di Keller, collocandolo all'interno dell'ambiente culturale affascinato dal richiamo inebriante e dai pericoli della “fata verde”.

Ferdinand Keller
Lady Absinth (Archway, Avenue of Sighs)
#1901
Private Collection
fans

Ferdinand Keller was a German history and genre painter. Today we present a somber painting... Lady Absinth (Archway, Avenue of Sighs) depicts an allegorical vision of the infamous drink, once celebrated and condemned in equal measure. The work personifies absinthe as a ghostly woman wandering a shady, tree-lined avenue, her presence both alluring and unsettling. The work embodies the fin-de-siècle fascination with mysticism, decadence, and bohemian spirit, evoking the dual nature of absinthe—both a source of inspiration and a symbol of danger. This painting marked a significant moment in Keller's career, placing him within a cultural milieu fascinated by the intoxicating lure and dangers of the "green fairy."

17/11/2025

Helen
Il divano Chintz
circa #1913
Collezione Privata

Il dipinto Il divano Chintz raffigura lo studio londinese condiviso dalla pittrice impressionista canadese Helen McNicoll e dalla sua compagna, la pittrice britannica Dorothea Sharp, ritratta nell'opera. A prima vista, la scena suggerisce una tranquilla vita domestica. Tuttavia, alcuni storici dell'arte hanno proposto un'interpretazione più impegnativa: la figura potrebbe rappresentare una suffragista che realizza cimeli per il movimento per i diritti delle donne. Dipinto nel 1913, al culmine delle proteste militanti per il suffragio, l'opera coincise con l'elezione della McNicoll alla Royal Society of British Artists (RBA).
L'accesso delle donne alle istituzioni artistiche era ancora difficile. Anche in qualità di membri della RBA, spesso subivano emarginazione e si rivolgevano invece a gruppi come la Society of Women Artists (SWA), di cui la Sharp era vicepresidente. Sebbene la posizione politica di nessuna delle due artiste sia completamente documentata, il loro profondo coinvolgimento nelle organizzazioni femminili suggerisce che Il divano Chintz risuoni con le lotte femministe al di là dello studio.
Lo studio stesso, un ampio appartamento al 91 di Ashworth Mansions, a Maida Vale, era sia luogo di lavoro che centro sociale. Lo spazio di McNicoll ospitava mostre ed eventi di networking. In una lettera del 1913, riferiva che 57 visitatori, tra cui membri della RBA, avevano partecipato a una mostra organizzata nello studio poco prima delle elezioni annuali della società. Grazie alla promozione attiva di Sharp, la sua compagna ottenne l'adesione alla società e una fotografia dello studio apparve insieme alla notizia del suo successo sul Montreal Daily Star.

Helen McNicoll
The Chintz Sofa
circa 1913
Private Collection

The Chintz Sofa depicts the London studio shared by Canadian Impressionist painter Helen McNicoll and her partner, British painter Dorothea Sharp, portrayed in the work. At first glance, the scene suggests a quiet domestic life. However, some art historians have proposed a more challenging interpretation: the figure may represent a suffragist making memorabilia for the women's rights movement. Painted in 1913, at the height of militant suffrage protests, the work coincided with McNicoll's election to the Royal Society of British Artists (RBA).
Women's access to art institutions was still difficult. Even as members of the RBA, they often faced marginalization and turned instead to groups like the Society of Women Artists (SWA), of which Sharp was vice-president. While neither artist's political stance is fully documented, their deep involvement in women's organizations suggests that The Chintz Sofa resonates with feminist struggles beyond the studio.
The studio itself, a spacious apartment at 91 Ashworth Mansions in Maida Vale, was both a workplace and a social hub. McNicoll's space hosted exhibitions and networking events. In a 1913 letter, she reported that 57 visitors, including members of the RBA, had attended an exhibition held at the studio shortly before the society's annual elections. Thanks to Sharp's active promotion, his partner gained membership in the society, and a photograph of the studio appeared alongside news of her success in the Montreal Daily Star.

La Medicina nell'Arte

27/11/2025

26/11/2025

25/11/2025

24/11/2025

23/11/2025

22/11/2025

21/11/2025

20/11/2025

19/11/2025

18/11/2025

18/11/2025

17/11/2025

Address

Telephone

Website

Alerts

Contact The Practice

Shortcuts

Share